Antony Gormley’s Event Horizon – Reconnect to our Souls and the City we call Home

City View (Day)

Overlooking the Mid-Levels of Victoria Peak (Source: Antony Gormley’s Official Website)

Let’s imagine a city as a human body and sculptures erected in different spots of the city as acupuncture needles stimulating the body’s reflective responses.  This is probably an imaginative picture British artist Antony Gormley would like to bring to the city dwellers through his controversial installation project Event Horizon in Hong Kong over the six months from November 2015 after touring London, Rotterdam, New York, São Paulo and Rio di Janeiro.

An Experiment of Cultural Acupuncture

Gormey with his statue

Antony Gormley with one of his life-size iron cast body sculptures (Source: © K11 Art Foundation)

31 life-size body sculptures cast from the body of the artist himself stand on top of prominent buildings and on busy pavements in Central and Western districts of Hong Kong.  While some people relate the project to suicide attempts and many make funny poses next to those anatomically correct male bodies at the street level, the artist has a bigger message for us – What am I doing in this world and what is this world anyway?  For those of us who have been living in the city for long, we should have witnessed that concrete and glass seem to have replaced a common space in which people lived all aspects of their lives face to face.  The physical and psychological isolation and boundaries in the urban environment, together with the abstract corporate and capital values it contains, have taken away our ability to communicate to others our intense and individual experiences towards our inner selves and surroundings.  Gormley attempts to reignite our senses through this visionary project.  He uses the body sculptures, placed at unusual spots of the Hong Kong skyline, to invite us to observe our own experience, a sense of connection with the horizon and with space at large, within the reality of daily routines.  Gormley refers the installations as cultural acupuncture – the sculptures act like 31 needles going into various parts of the collective body.  It is an experiment to see what kind of responses and energies each one elicits.  It is about a celebration of life and an attempt to consider what the identity and subjective voice of Hong Kong is.


Sculpture Location Map (Source: © Event Horizon Hong Kong Website)

Sculpture as a Tool for Mindfulness

“We exist in space, but space also exists in us.”  Gormley uses sculpture as a tool for mindfulness.  The weighty figures are human spaces that displace space at large by their mass.  He projects them as “black holes in human form, dark silhouettes against the sky, which the built environment that surrounds them is the thing that becomes the foreground”.  City is not the only field that Gormley’s investigation of the relationship of the human body to space takes place.  In Horizon Field (2010-12) the artist placed 100 figures of his body spreading across an area of 150 km2 in the snowy Alps in Austria.  He created a horizon located at 2,039 m above sea level to provide us with a new perspective on bodies in space.  The works form a field in which living bodies and active minds (skiers and hikers alike) are involved in measuring the space and distance through the field of these static iron bodies.  For Gormley, the dark masses against the white snow are indications of absence; places where a man once stood and anyone could stand.  He reverses the usual conditions of sculptures: stillness, silence and inertia and, instead, attempts to highlight free movement, creating new relationships between its context and the internal conditions of the viewer.


Horizon Field (2010-12), High Alps of Vorarlberg, Austria (Source: © Antony Gormley’s Official Website)

The Test of Time and Space


Time Horizon (2006), Parco Archeologico di Scolacium, Catanzaro, Italy (Source: © Antony Gormley’s Official Website)

Time and space are other elements Gormley is keen to explore in his landscape installation projects.  Archaeological sites and open seas are some of the interesting locations Gormley chose to experiment the relationship between time and space.  The Roman Forum in southern Italy dating from about 130 AD was the field for Time Horizon (2006) where 100 life-size body figures were distributed all over the 40-hectare site.  Some were buried up to their necks while others were on plinths in the deepest part of the site and every level in between.  The arrangement offered a way in which the trajectory of time could be felt physically.

In Another Place (1997) the body figures were immersed in the Wattenmeer (Wadden Sea) in Germany.  As with Time Horizon the viewer is implicated in a field effect, but here the rising tide replaces the earth level.  With every tide the bodies were obscured, they disappeared under the surface.  It is the disappearance and reappearance of the bodies between the tides that tests human time against planetary time.


Another Place (1997), Cuxhaven, Germany (Source: © Antony Gormley’s Official Website)

Liberating Art to Serve a Social Role

“My faith is that art becomes an increasingly important testing ground, free of control and ideology, in which we can examine ourselves and our needs, desires and dreams.”  Gormley believes art has to be released from both the institutionalizing effects of the museum and from the commodifying effects of the market.  He demonstrates to us art is a basic human activity that makes us human and offers us the tools to become ourselves.  By bringing art to our daily life with his life-size “needles”, this philosophical artist heals human vulnerability and raises collective consciousness in a city.  Not only does he activate our connection to our souls lost in the lure of false desires and the promise of objects of consumption and power, but also reminds us of the intrinsic sense of being and our intimate relationship with the city we call home.

Event Horizon Hong Kong Website
Antony Gormley’s Official Website
CNN’s Video Interview with Antony Gormley on Event Horizon Hong Kong

Event Horizon

Hong Kong

19th November 2015 to 18th May 2016

Christine Kan


Antony Gormley, Vessel, 2012

Antony Gormley

Vessel, 2012

Cor-Ten steel, M16, countersunk steel screws

370 x 2200 x 480 cm


Antony Gormley, Vessel, 2012

Displayed right at the center of the hall of CENTQUATRE-PARIS in the 19th arrondissement, Vessel has caught the sight of every viewer who visits the exhibition “Follia Continua! 25 years of Galleria Continua”.  Designed by the famous British sculptor Antony Gormley, Vessel is made out of 39 interconnecting rectangular steel boxes.  The material Cor-Ten steel, trademarked weathering steel, is a group of steel alloys which were developed to eliminate the need for painting.  The use of this material allows the sculpture to form a stable rust-like appearance after exposed to the weather for several years.

Vessel takes on the form of a gigantic recumbent man, which at first glance, may appear to viewers as a non-aligned work by Donald Judd.  The series of box containers is an architectural structure of parts – the vessels that form a body.  Yet it is in turn presented in a seemingly haphazard way inside the architecture that is made for the scale of man.  Here the spatial definitions and purposes are blurred and unstable.  The idea mediates on the renaissance trope of the city in the form of a man by making a man made in the form of a city.  It provokes questions about the social and inspirational role of sculpture and its potential to provide direct bodily experience.

This falls into the usual practice of the artist who is widely acclaimed for his sculptures, installations and public artworks that investigate the relationship of the human body to space.  Born in London in 1950, Gormley has developed the potential opened up by sculpture since the 1960s through a critical engagement with both his own body and those of others in a way that confronts fundamental questions of where human beings stand in relation to nature and the cosmos.  The artist continually tries to identify the space of art as a place of becoming in which new behaviors, thoughts and feelings can arise.

For the exhibition at Le CENTQUATRE-PARIS, 2015, Antony Gormley has written, “Take this work as the model of a building that invites you to look into its inner spaces.  I am excited to see Vessel exhibited in Paris, especially in the spaces of a former coffin factory where today, intelligent, lively bodies interact with each other.  Vessel will be the biggest body in there.  It has never been seen in a major city, so I hope that here in Paris, its mirroring of the cells of a dense urban environment will make sense.  Buildings in a city connect with and separate from one another.  You cannot inhabit this work but you can peer into it and see these connections and dead-ends modeled.”

The works of Antony Gormley naturally bring us to ponder on the anti-monumentalism (or Counter-monumentalism), a philosophy in art that denies the presence of any imposing, authoritative social force in public spaces.  It rejects the notion of a monument developed from an elitist point of view as an emblem of power, an opposition to monumentalism whereby authorities establish monuments in public spaces to symbolize themselves or their ideology, and influence the historical narrative of the place.  Artists explore the contemporary drive for creating memorials not of men on horses or mermaids in fountains, but for everyday people and tragedies.

By the same token, we could see that Antony Gormley explores the relation of the human body to space and moments in time through his sculptures, installations, and public artworks.  Over the last 25 years, Antony Gormley has revitalized the human image in sculpture through a radical investigation of the body as a place of memory and transformation, using his own body as subject, tool and material.  He used a cast of his own body as their starting point and for his large-scale, outdoor installations such as Angel of the North (1998) and Another Place (1997).  In Event Horizon (2007), which has been shown in London, Rotterdam, and New York, Gormley sited 31 body forms atop rooftops, riverbanks, and sidewalks within the dense urban environment.  In One & Other (2009), a project for the Fourth Plinth in Trafalgar Square, London, he invited members of the public to create their own artwork on top of the plinth for one hour time slots over a period of 100 days.

Other sculptures in Paris at the moment

At the moment, his other two works the Big Spin (2014) and the Big Look (2014) are presented by the Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburg, Paris under the Hors les Murs programme of the FIAC 2015.  These works from his BIG series pursue his study of the body and space, whereby the artist questions the body as a site, and space and scale as the principle factors which condition our understanding of our environment. These sculptures disorient the spectator, provoking a process of self-observation.  Their presentation in the Tuileries gardens is a continuity of Antony Gormley’s practice in which each exhibition is considered a site of physical and psychological experimentation.

We would perceive the artist’s works as not in the normal sense of being a representation of the subject.  Rather he is trying to arouse the interest about what the nature of the space a human being inhabits is.  What he tried to show is the space where the body is, instead of what the body itself represents.


Antony Gormley, Big Spin, 2014 under the Hors les Murs programme of the FIAC 2015

Event Horizon in Hong Kong

The project, Event Horizon, is scheduled to be unveiled in Hong Kong on November 19 and will last until May 18, 2016.  Nevertheless, it has already proved provocative during the two years it’s taken to bring the statues to the city.  The statues were meant to have been displayed last year, but Hongkong Land pulled out as main sponsor after a J.P. Morgan employee jumped to his death from the roof of a Hongkong Land property in February 2014.  Some news reports quoted unnamed sources saying that J.P. Morgan was of the view that having Gormley’s life-size statues placed on rooftops would be too much of a reminder of that particular tragedy.

The idea of Event Horizon is to prompt Hong Kong people to pause amid their daily rush and to take a good look at the details of what’s around them.  It aims at actualising the art’s value – its ability to stimulate thoughts that were lost or thoughts that would otherwise not exist at all.  It is true that in a smartphone-obsessed city, the population in Hong Kong rarely takes a look at the details around themselves anymore.  In another sense, the project is also about how human will overcome extreme adversity.  It is very much about the place of individuals against forces that are faceless determiners of our lives.  The decision to display the statues in the central business district may not be to everyone’s taste, since the area smacks of exclusivity and may reinforce the link between art and the market.  That said, it is certainly a sound demonstration of the challenge of stereotypical views and unexamined values.

Official website of Event Horizon Hong Kong :


Follia Continua! 25 years of Galleria Continua


26th September to 22nd November 2015


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Une expérience révélatrice dans un « musée alternatif »

Si l’émergence de l’art contemporain passe par la remise en cause des idées traditionnelles qui définissent l’art, elle touche aussi à la manière d’admirer les œuvres d’art et nous mène en dehors des lieux de visite traditionnels.  En effet, il n’est pas forcément nécessaire de pousser les portes des musées pour apprécier des œuvres d’art.  Eight Kwai Fong a réalisé un appartement artistique : le « musée alternatif ».

Il est plutôt difficile d’imaginer un « Appart ‘hôtel » dédié à l’art.  Néanmoins, une visite de ce nouvel appartement à Hong Kong nous ouvre les yeux sur ce concept.

En pénétrant dans le premier salon, la vision des livres d’art de l’éditeur TASCHEN de la librairie de la rue de Buci me reviennent à la mémoire. C’est un lieu où presque tous les étudiants en histoire de l’art ont envie de feuilleter quelques ouvrages.

Une réflexion d’images, une réflexion de vie

Le flot de lumière naturelle, les matériaux réfléchissants, la finesse et les formes dissymétriques de l’art décoratif font entrer la nature dans la salle.  Le vase conçu par Todd Bracher, disposé dans le couloir, exprime ce mélange de la vie et de la nature.  Ce dernier, représentant le corps d’une femme, est empli de fleurs.  La surface du miroir reflète ces fleurs, créant un effet dramatique qui accentue la couleur naturelle et la texture des fleurs.  Le vase et son contenu créent une vision totalement unique qui change selon l’arrangement des fleurs.

Cette nature diffusée invite à la conversation avec l’œuvre placée sur le mur – Paradise 28, Rio Madre de Dios, Peru, 2005 de Thomas Struth.  Thomas Struth est un artiste et photographe allemand, qui a d’abord étudié la peinture à la Staatlichen Kunstakademie à Düsseldorf avec Gerhard Richter, et puis, la photographie avec Bernd et Hilla Becher.  La pratique artistique de Thomas Struth est caractérisée par ses séries, par exemple, des photos de rues, des portraits, des fleurs, des familles, des musées et des paysages.  Thomas Struth est surtout reconnu par la critique et le marché de l’art pour ses séries sur les rues Die Architektur der Straßen et la série Portraits.  Fasciné par la culture maya et sa relation à la nature dynamique, Struth a commencé la série Paradise à la fin des années 1990.  Il a fait ses recherches dans les forêts et les jungles du monde entier en voyageant en Chine, au Japon et en Australie.  Avec l’ambition de « faire un autre type d’œuvre avec un sujet différent », il a présenté ses nouvelles photographies avec une multiplicité de couches et une densité de détails.  Ses œuvres contemporaines évoquent les forêts vierges d’Asie, d’Océanie, d’Europe et d’Amérique du Sud.

Mais la réflexion est non seulement physique, elle est également mentale.  Eskimo, une huile sur toile de Zhao Yang, nous donne une réflexion sur la philosophie intrinsèque de la vie.  Né dans la province de Jilin en 1971, diplômé de l’Académie chinoise des arts en 1995, Zhao Yang vit et travaille actuellement à Beijing.  L’artiste se consacre à la peinture des images et des histoires à travers le temps et l’espace.  Eskimo manifeste l’état primitif des êtres humains et révèle leurs besoins nécessaires à la survie par le moyen de la chasse.  Le tableau représente deux figures sur un fond turquoise avec une présentation abstraite et mystérieuse, laissant place à l’imagination.


Eskimo – une huile sur toile de Zhao Yang

Nostalgie, nostalgie, nostalgie

Flânant de salle en salle, on écoute des musiques aux pouvoirs nostalgiques : le disque vinyle classique (l’édition de collectionneurs) diffuse des succès des Beatles, de Piaf, ainsi que la chanson Hotel California émise par la station de radio unique – Le Brionvega Radiofonografo réveille toutes nos sensations.  Conçue en 1965 par Achille et Pier Giacomo Castiglioni, la Radiofonografo (RR126) était une révolution esthétique et technologique.  C’était la première station multimédia comprenant une radio, un amplificateur, un tourne-disque réuni en un seul appareil.  Le coffret en bois et les haut-parleurs, étant fabriqués à la main, ne sont jamais exactement identiques.  Fait en un bloc d’une pièce en aluminium, moulé, brossé, laqué et poli à la main, le nouveau Radiofonografo est un hommage à l’artisanat traditionnel.

Ce qui fait fondre le cœur

On trouve partout les arts décoratifs qui font fondre le cœur.  L’œuvre céramique Melt de Julie Progin et Jesse McLin nous en donne un exemple.  Ayant passé plus de 7 ans à Jingdezhen, Julie et Jesse ont appris l’histoire et les techniques de la céramique.  Ils ont collaboré avec des artisans locaux et des usines de production de masse.  Ils s’approprient les défauts de l’œuvre pour l’embellir.  Julie et Jesse utilisent la technique de processus réductrice : ils laissent intentionnellement certains défauts dans leurs vases pendant l’étape de la production de masse.  Les vases se craquèlent en atteignant une température de 1300 degrés Celsius, produisant la création d’un morceau différent à chaque fois.  C’est une nouvelle esthétique hors d’un archétype.

Par ailleurs, on trouve les bouteilles bolle par Tapio Wirkkala pour Venini.  Cette série de bouteilles en verre de Murano, créée par le designer finlandais Tapio Wirkkala en 1966 pour la maison italienne Venini, emploie la technique de l’ « Incalmo » qui permet à deux différents types de verre, travaillés séparément, d’être fusionnés pour créer différentes zones de verre colorées en un seul et même objet.  Cette série d’œuvres faite à la main en verre soufflé met en valeur la beauté et la tradition des souffleurs de verre vénitiens.  Les œuvres de Wirkkala peuvent être trouvées dans les grands musées du monde entier.

Le mouvement artisanal – art ou marketing ?

Une installation géante Bowler Hat se trouve dans le jardin de cet Appart’hôtel dont le logo est également un chapeau se référant au célèbre chapeau melon de René Magritte (1898-1967).  Ce Bowler Hat est un chapeau qui définit une ville urbaine au style artisanal et bohémien, où un groupe de nomades poétiques, créatifs et culturels sont passionnés par la découverte des plus beaux trésors et expériences du monde entier.  Le chapeau est posé sur un œuf géant émergeant du sol.  L’œuf invite les spectateurs à explorer leurs propres idées artisanales intérieures.  Cette œuvre d’art est une inspiration pour la vie artisanale.

Ce qui est promu dans cet appartement est le mouvement artisanal, autrement dit, un voyage visé à élargir l’imagination à travers des expériences exceptionnelles sur les objets d’art ou les objets de collection.  Dans une ville cosmopolite comme Hong Kong, l’art dans un cadre privé est toujours considéré comme une activité commerciale. Néanmoins, mon expérience à Eight Kwai Fong m’a  fait complètement changer de point de vue.  La décoration minutieuse reflète la passion et l’ambition de son créateur, M. Adrian Cheng, le fondateur de la K11 Art Foundation.  Si j’étais accusée de parti pris, je l’admettrais sans hésiter, simplement parce que je ne peux pas sous-estimer l’effort de ce monsieur pour soutenir l’art et l’échange culturel en collaborant avec le Centre Pompidou à un projet de recherche de trois ans sur la scène artistique chinoise contemporaine.

Le site officiel de Eight Kwai Fong :


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Retrouvez l’esthétique et la philosophie de la peinture traditionnelle chinoise – Les Quarte Gentlemen

L’exposition – Les Quatre Gentlemen

Les Quatre Gentlemen

Presque tous les chinois traditionnels savent ce que signifie « Les quatre gentilshommes ».  Cette expression « Les Quatre gentlemen » apparaissant  aussi sous le nom des « Quatre nobles plantes » correspond dans l’art chinois aux quatre plantes : l’orchidée, le bambou, le chrysanthème et la fleur de prunier.

L’analogie est issue d’une inscription du Manuel de peinture de ces quatre plantes, écrite pendant le règne de Wanli de la dynastie des Ming par le peintre lettré, Chen Jiru.  Le Manuel montre qu’on pourrait purger les impuretés de l’esprit pour atteindre un caractère noble en appréciant et apprenant les vertus des « Quatre gentlemen ».  Dans la culture chinoise des gens lettrés, la fleur de prunier qui fleurit en hiver symbolise les qualités fermes et inflexibles de Junzi : un gentleman ou un homme noble; l’orchidée qui pousse dans les vallées sereines, avec son arôme rafraîchissant, symbolise un caractère élégant au mépris de la vulgarité; le bambou vertical dressé vers les nuages ​​représentant  l’humilité; le chrysanthème qui subsiste en automne et résiste au givre manifeste la force de l’intégrité. Les calligraphes célèbres, les peintres et les écrivains, comme Tao Yuanming (365-427) et Su Shi (1037-1101), utilisent fréquemment le thème de la fleur de prunier, de l’orchidée, du bambou et du chrysanthème dans leurs peintures et leurs poèmes pour glorifier les intentions et les sentiments d’un gentilhomme.  L’expression compare les quatre plantes à l’homme de bien du confucianisme.  Elles sont le plus souvent représentées dans des lavis et appartiennent à la catégorie des « peintures de fleurs et oiseaux ».  C’est un thème favori des lettrés qui identifie les vertus confucéennes telles l’intégrité, la fidélité et la persévérance à ces quatre fleurs.  Dans l’art vernaculaire, les images des fêtes du Nouvel An chinois utilisent couramment « Les Quatre gentlemen » comme les symboles du bonheur.  Par exemple : « Les fleurs de prunier vous apportent le bonheur » et « Le bambou transmet la paix et le bien-être ».

Parmi « Les Quatre gentlemen », le bambou est apparu dans les peintures murales au cours de la dynastie des Tang, comme l’ont fait les peintres Wu Daozi (680-759) et Wang Wei (701-761).  Pendant les premières dynasties Song et Yuan, « Les Quatre gentlemen » ont été également admirés par les lettrés et les peintres – Wen Tong (1018 – 1079) était connu pour ses peintures à l’encre de bambou, le moine Zhongren (1051-1123) et Yang Buzhi (1097-1169) pour leurs peintures de fleurs de prunier.  À la fin de la dynastie des Song du Sud, Zheng Sixiao (1241 – 1318) a utilisé une orchidée déracinée pour illustrer la perte du pays en faveur d’une puissance étrangère.

Au début, « Les trois amis de l´hiver », également connus sous le nom « Les trois amis du froid », font référence aux trois plantes : le pin, le bambou et la fleur de prunier.  Cela représente la compagnie dans l’adversité.  L’orchidée est ajoutée plus tard pour faire l’ensemble « Les quatre amis ».  Les chrysanthèmes ont commencé à être représentés au cours de la période des Cinq Dynasties et des Song du Nord, bien que moins de peintres les utilisent comme objet de peinture par rapport au reste des trois autres plantes.  Jusqu’aux dynasties Ming et Qing, l’expression « Les Quatre gentlemen » est officiellement apparue dans les manuels de peinture et, est devenue une catégorie de peinture individuelle populaire.

La fleur de prunier – la loyauté inébranlable

La fleur de prunier est la première parmi les quatre gentlemen car elle fleurit au début de l’année. Elle ne succombe pas au givre durant sa floraison en hiver et apporte un arôme rafraîchissant et subtil annonçant l’approche du printemps.  Depuis l’antiquité, les peintres considèrent la fleur de prunier comme la représentation des qualités de l’homme idéal.  On admire le courage intrépide et inflexible de la fleur et la considère comme une incarnation de la noblesse et de l’intégrité.

Dans la dynastie des Tang, les fleurs de prunier étaient souvent représentées dans des lavis appartenant aussi à la catégorie des « peintures de fleurs et oiseaux » et « peintures de paysages ».  Jusqu’à la dynastie des Song du Nord, les « peintures de fleurs et oiseaux » ont prédominées et la fleur de prunier est devenue le sujet principal à apparaître seul dans les peintures.  Zhongren (1051-1123) et Yang Buzhi (1091-1169) étaient des artistes connus pour leurs peintures de fleurs de prunier.  Zhongren a planté des pruniers dans le monastère pour réaliser ses œuvres à l’encre en utilisant l’encre de différentes densités pour les pétales et l’approche « désossée » pour les branches.  Le successeur de Zhongren, Yang Buzhi, a inventé une façon de représenter les fleurs en peignant les pétales en lignes doubles et en utilisant des points pour manifester les étamines.  Les branches ont été exécutées en traits texturés secs avec une pointe de pinceau centrée.  Cette technique de peinture a été suivie par les peintres contemporains et de nombreuses œuvres ont hérité de ce style.

D’ailleurs, la fleur de prunier a été souvent utilisée comme un thème de poème.  L’écrivain Lu You des Song du Sud (1125 – 1210) a adoré les fleurs de prunier toute sa vie, et a produit plus d’une centaine de poèmes et de la prose prônant la fleur de prunier.  Rétrogradé en raison de sa position politique contre les princes de la dynastie Jin, Lu You avait utilisé la fleur de prunier comme une métaphore pour proclamer sa noble ambition et son intégrité morale.

L’orchidée – l’élégance éthérée

À l’état sauvage dans les vallées montagneuses, le long des rivières et dans les crevasses des falaises, l’orchidée se distingue de la banalité.  Ses feuilles minces avec de la verdure toute l’année et ses fleurs d’un arôme délicat expriment l’élégance.  Depuis les temps anciens, les peintres et les poètes admirent l’orchidée.  Confucius a dit que l’orchidée émettait son parfum pour les rois et l’a utilisée comme une métaphore de la voix d’un fonctionnaire vertueux qui est tombé en disgrâce, à tort ou à raison, dans la cour où il a été banni par l’empereur.  Il a aussi mis en valeur l’intégrité de l’orchidée en la comparant aux hommes nobles qui sont capables de cultiver la philosophie Dao et respecter leurs vertus même dans la difficulté ou la pauvreté.

Au cours de la fin de la dynastie des Song et du début du Yuan, les lettrés, les poètes et les peintres démontrent leur intégrité en prônant les orchidées comme le thème central de leurs œuvres. Zheng Sixiao (1241 -1318) a vécu une vie recluse à Suzhou après avoir été banni de la cour de dynastie des Song. Dans son œuvre célèbre d’orchidée à l’encre, l’artiste a peint une seule plante sans sol, sans racine pour signaler l’idée que « l’homme noble reste seul sans se mêler aux gens déshonorants » et pour signifier qu’il ne voulait pas être enraciné dans une terre gouvernée par la puissance étrangère.

Pour les contemporains, les techniques occidentales ont également eu une influence sur la peinture d’orchidée chinoise qui a été représentée par le dessin et l’aquarelle aboutissant à une fusion des styles chinois et occidentaux.

Le chrysanthème – la réclusion noble

Le chrysanthème fleurit en automne lorsque toutes les autres fleurs se fanent, montrant une caractéristique qui a été appréciée par les lettrés chinois à travers l’histoire. Le chrysanthème était décrit dans l’histoire comme étant : « le chrysanthème précieux; son semis pouvant être mangé, il a une valeur médicinale et peut être employé dans la fabrication des oreillers, et pourrait être utilisé pour brasser le vin ».

Tao Yuanming (365 – 427) est un écrivain chinois qui est considéré comme un des plus grands poètes inspirés par le taoïsme. Il chante, dans ses poèmes, la retraite à la campagne et le vin.  L’un de ses textes les plus connus est La Source des fleurs de pêcher, qui décrit un village loin du monde dans une vallée cachée.  Tao Yuanming est aussi l’auteur du Chant du retour, texte dans lequel il parle de son retour chez lui, à la campagne, après avoir quitté son métier de fonctionnaire.  Dans un de ses poèmes, il a écrit sur les chrysanthèmes. «…rassembler les chrysanthèmes par la clôture de l’Est, je regarde tranquillement les montagnes du sud ».  Tao lie souvent son caractère et son tempérament de réclusion aux nobles idéaux. Pour les successeurs, le chrysanthème est devenu un symbole de Tao Yuanming et a donc été souvent représenté dans les peintures.

Au 20e siècle, de nombreux peintres ont cherché à faire évoluer les formes artistiques.  À Shanghai, un groupe de peintres dirigé par Wu Changshuo (1844 – 1927) intègre les techniques, les structures de la calligraphie et de la gravure de sceaux dans la peinture.

Le bambou – l’humilité noble

Depuis l’antiquité, le bambou est le symbole de la vertu de l’intégrité, de la modestie et de la dignité.  Le bambou montre la force, la douceur, la loyauté et la justice.  Les lettrés chinois, au travers des genres différents, représentent le bambou dans leurs poèmes et peintures comme une référence au noble idéal d’humilité.

Dès la période des Six Dynasties, le bambou a déjà été fréquemment représenté dans les peintures. Les Sept Sages de la forêt de bambous, qui étaient mécontents de l’autorité à la cour, vivaient reclus dans une bambouseraie.  Ils lurent et écrivirent des poésies exprimant leur préoccupation pour le pays et leur impuissance face à ses problèmes.

Deux artistes maîtres de la dynastie des Song du Nord Wen Tong (1018 – 1079) et Su Shi (1037 – 1101) étaient d’ardents admirateurs du bambou.  Wen Tong est connu pour son talent à exécuter une peinture de bambous précise  et vivante, dès le premier jet, après avoir observé le sujet minutieusement en détail avant de commencer son ouvrage. Su Shi remplace l’encre noire avec le cinabre pour peindre le bambou; cela a exercé un impact énorme sur les peintres suivants.

Au cours de la dynastie des Yuan où la Chine était sous la gouvernance de l’empire mongol, la peinture du bambou est devenue populaire en raison de son implication dans sa résistance contre la domination mongole. Les artistes de la dynastie Yuan ont aussi intégré des éléments calligraphiques dans la peinture. Ce style a été suivi par les peintres contemporains de la dynastie Ming.


Plus de 70 œuvres de la collection du musée allant de la dynastie Ming à la période moderne ont été sélectionnées pour cette exposition. Elles sont représentées dans cinq catégories.

« Les Quatre gentlemen » ont longtemps été étroitement associés à la culture traditionnelle chinoise. Junzi est un aspect important de la philosophie chinoise représentant une personne d’un très haut niveau de moralité après celle d’un sage.  Aujourd’hui, les gens vivent une vie trépidante.  S’ils pouvaient respecter les vertus des « Quatre gentlemen » et influencer leurs contemporains avec de telles qualités de bienveillance, un monde meilleur pourrait être créé.

(Exposition jusqu’au 2 août 2015 à Hong Kong Museum of Art)


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A / AN “ “ – Bachelor of Arts (Fine Art) Graduation Exhibition 2015

Having the chance to catch the last day (27th July 2015) of the exhibition A / AN “   – Bachelor of Arts (Fine Art) Graduation Exhibition 2015 held at the Hong Kong Arts Centre, I was completely amazed to see the enormous creativity and talent of the students.

I couldn’t help sharing in here my experience.  The exhibition was co-presented by The Royal Melbourne Institute of Technology University (RMIT) and The Hong Kong Art School.  There were total 36 graduating students participating in this exhibition.  The artworks reflect the dedication, personal ideology and unique concepts across the modalities of Painting, Photography and Sculpture.

Incompleteness and unlimited possibilities

On the first glance, the title A/AN “      “ appeared unexplainable and ambiguous.  Along the visit, I got to know more about its meaning.  The blank “      “ actually hinted at the notion of “incompleteness and unlimited possibilities” inherent in both the artworks and the emerging artists.  On one hand, it denoted the dilemma faced by most artists – When is a work of art finished?  Is it ever finished?  Does it need to be “complete”?  On the other hand, it allowed the viewers to have their own interpretations on the artworks.

From Left 1 & 2: The artist tried to capture the tiniest changes; slowest pace and the most fragile growth within the objects. Those traces left by time and life.  By using a set of layered images, she tried to reflect the ambience that she experienced.

From left 3: The 3 pieces are respectively My Wanchai, My Central and My Causeway Bay.  As an introvert observer, the artist recorded the conversations of passers-by on the street.  The work investigates the ‘urban tension’ between oneself and the surrounding and shows the alienation between people living in the community.

From left 4: The artist found a cross point and a connection between her grandmother, her mother and her when she discovered that her mother had also helped her grandmother to pick up useful stuffs from the junkyard to home in the past.

Unstrained imagination

Imagination is an intrinsic underlying element with which the viewers could interpret the artworks in a certain direction, or it could be towards no direction.  The “      “ was left blank in order to let the viewers fill in their own meanings.  There could be infinite possibilities, unstrained imagination or suggestions.  The exhibition enhances our self-awareness towards our surroundings.

Art is dead?

In the art history, the saying “art is dead” appeared at several critical turns in the artistic genres.  For instance, the emerge of abstraction which worked to counteract the figuration has ignited the debate on the criteria of aesthetics.  In the eighties Postmodernism era, the saying “painting is dead” was aroused when large numbers of artists turned their works to installation, video art etc.  In Hong Kong, it has been said for long that “art is dying” especially when we see that the industry is giving way to the urbanisation and commercial activities.  Nevertheless, when I looked into the creativity of these emerging artists, I was fueled with positivity.  Over three years, the graduating students’ enthusiasm in arts has been frequently confronted with the complicated hard work, and yet they have made it!  This exhibition is not the end but the starting point of another art journey ahead, for the students and the future art scene of Hong Kong.

(The exhibition was ended on 27th July 2015)


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Yoshitomo Nara: Life is Not Only One…with Art

What an extraordinary experience it is to visit Yoshitomo Nara’s “Life is Only One” exhibition – it feels like walking with this iconic artist a part of his unique journey of life! This first solo exhibition of Nara in Asia outside Japan is a well-crafted personal statement that certainly touches your heart with his absolute sincerity.

An Air of Melancholy

Divided into five sections namely “Memories of Tomorrow”, “Where We are Today”, “Sounds of Life; Sounds of Today”, “Talking to the Past; Talking to Today” and “Life is Not Only One”, the exhibition showcases a rich selection of Nara’s oeuvre in the past two decades through oil paintings, colour-penciled drawings, sculptures, installation and photography. As I entered the gallery, I was immediately overwhelmed by a number of large-scale paintings of Nara’s trademark childlike characters. Manga cartoons as they seem, these works did not make me feel uplifting but an air of discontent, anger, melancholy and despair. Nara is well known for depicting human and animal figures in their most simple and concise forms with pastel colours to express deep and thought-provoking ideas. Big-headed girl and puppy are his signature characters that honestly represent himself to interpret life through his works. Utilizing different materials such as cardboards, envelopes, wood and cotton, Nara reveals intimate moments of an artist freely working through his ideas without setting boundaries for himself and his audience. Honesty and liberalism are probably the precious qualities that make Nara’s works shine on the international stage, and both influential and inspirational to many.

Past vs Today
As I walked further down the gallery, music was getting louder and a series of photo works appeared in front of me either on the wall or in the form of a video slideshow. Titled as “Talking to the Past; Talking to Today”, this section presents Nara’s photo works in the past 10 years taken mainly in Afghanistan and Sakhalin, an island north of Hokkaido in Japan. These photos introduced to me images of children, scenery, towns and animals around the world. Backed by some melodic Japanese songs, these heartwarming images brought about a sense of serendipity, pleasure and comfort. It is worth noting that the journey to Sakhalin is Nara’s personal journey for his grandfather who once lived on this remote land. By capturing the landscape that his grandfather had seen, these photos reflected how the past continues to be important to his current journey as an artist.

Embraced by Harmony
Echoing to the main theme, the exhibition ended with “Life is Not Only One”. It features an installation called “Fountain of Life” in the centre, a gigantic teacup with a never-ending flow of tears streaming down from the innocent child-like heads stacked in it. Together with the miniatures of Nara’s famous giant puppy scattered in the chamber and an “Angel” painting on the wall, a source of endless vitality and hope surrounds the teacup. Contrary to the rather negative complain-ish atmosphere at the beginning of the exhibition, I was embraced with harmony and positive energy here. Traveling through the journey from “Life is Only One” to “Life is Not Only One”, I can’t help to ponder: “Does Nara want to remind us to keep a positive mindset while experiencing the impermanence of life?”.

Fountain of Life

Fountain of Life (Photo: Yoshitomo Nara)




The Functions of Art
British philosopher Alain de Botton stated in his book “Art as Therapy” that art has seven functions: Remembering, Hope, Sorrow, Rebalancing, Self-Understanding, Growth and Appreciation. I am thrilled to realize that I have experienced all these functions (to different extents) after visiting Nara’s exhibition and they are still resonating in my head. By infusing in his works his transient life experience and interpretation of life, Nara not only expresses his own feelings and ideas, but also inspires his audience to interpret their lives with their own imaginations and experiences. Firmly believing the value of art lies in its positive impact to the society and individuals, I have no doubt Nara’s works have succeeded in delivering their values to his followers around the world!

(Photo: Asia Society)

(Photo: Asia Society)

What does Art Mean to You?
Exhibition aside, the visionary presenter Asia Society has organised a wide range of engagement activities to encourage audience to actively participate in exploring Nara’s world. They include film screenings, workshops, seminars, design competition, sale of limited edition merchandise, etc. I was lucky to have the chance to watch a documentary “Traveling with Yoshitomo Nara” after visiting the exhibition. It recorded Nara’s innovative “A to Z” project – building a fictitious town in his hometown Hirosaki – from conception to fruition. In this project, Nara collaborated with enthusiastic people around the world which gradually transformed him from a “solo” and isolated artist to become a more cheerful and sociable person. This documentary brought me into Nara’s life which made me better understand Nara as a person and his process of art creation. Most importantly, it allowed me to witness how art makes a positive impact to one’s life, should it be the impact from artist to his audience through his works, or from artist towards his own life through the art making process. It bears testimony to the power of art to transform and liberate. Indeed, life is never only one with art! Let us continue to discover ourselves, share sorrow, find hope, growth, appreciation and many more through our own artistic experience!

Interview of Yoshitomo Nara: “I’m still trying to figure out the meaning of life” (Video source from South China Morning Post)

Christine Kan


奈良美智「無常人生」- 以藝術改變生命


Photo: The Wall Street Journal




Sounds of Life; Sounds of Today (Photo: South China Morning Post)

Sounds of Life; Sounds of Today (Photo: South China Morning Post)


展覽後半部份展出奈良攝影、彫塑及裝置作品。以「今昔對話」為題的攝影作品主要來自其阿富汗及日本以北庫頁島的旅程。拍攝對象以當地小孩、動物、風景及小村落為主,處處流露溫馨、恬靜、愉快的氣氛,令人感覺舒服溫暖。其中庫頁島之旅更是奈良尋找爺爺生活足跡的旅程,作品標緻着「過去」對奈良現在的藝術創作之路有重要的影響。而最後的「無盡生命」部分則在房間中央放置了一枚以玻璃纖維造成,名為Fountain of Life的巨型茶杯裝置,杯中放置了數個叠高了的可愛小孩頭像,他們全部合上眼睛卻有眼淚不斷緩緩落下,形成噴泉。房內四周放置多個奈良著名的小狗造像迷你版,一邊牆上掛了一幅名為「天使」的畫作。作品整體喻意生命儘管脆弱,但在上蒼眷顧下,生命之泉是生生不息的,令人充滿盼望。觀眾在這裏感受到的和諧、正面氣氛與展覽前半部的控訴、卑觀氣氛有着強烈的對比。由無常人生走到無盡生命,奈良是要提醒我們要抱積極的態度去面對無常的人生嗎?

Fountain of Life (Photo: South China Morning Post)

Puppy (Photo: Hong Kong Jockey Club)


英國哲學家 Alain de Botton 在其著作「Art as Therapy」中分析藝術具有七個功能:回憶、希望、哀傷、重整平衡、了解自我、成長及欣賞。筆者很高興能在奈良此次個展中體驗到以上種種,感受頗深。奈良以其個人經驗及對生命的看法作為藝術創作題材,表達自我之餘,亦引領觀眾思考人生,從而產生共鳴及反思。他的作品並没有給予觀眾既定的答案,好讓觀眾以各自的想像力及個人經歷思考其作品的意義。筆者認為藝術的價值,往往反映在其對社會及個人所發揮的正面影響。奈良的作品在這方面可説是成功的,至少對很多世界各地的奈良美智追隨者而言,他的作品的確能輕易地做到這一點。

(Photo: Facebook of Yoshitomo Nara)


展覽以外,主辦單位亞洲協會還安排了一系列周邊活動包括電影播放、工作坊、座談會、設計比賽、限量紀念品售賣等,讓不同年齡的觀眾能積極參與探索奈良的世界。筆者慶幸欣賞了一套有關奈良的紀錄片「Traveling with Yoshitomo Nara」,影片紀錄了奈良「A to Z 」計劃的發展過程。由奈良與拍檔開始構思,到越來越多人一起參與完成計劃,在奈良的家鄉岩前搭建了一個名為 A to Z 的村莊,村莊內每處皆放置奈良各式各樣的作品,十分別出心裁。影片除紀錄了整個計劃的發展過程外,亦展示了奈良本是一個喜歡單獨創作、不擅交際的藝術家,在推展計劃的過程中,因接觸了一羣熱情投入的工作人員,期間被他們感染、感動而變得開朗活潑。這套影片讓筆者走進奈良的生活,立體地認識展覽作品的創作者是一個怎樣的人,從而加深對其作品的了解。但更重要是它見證了藝術如何積極地影響生命,不僅是藝術家以作品改變觀眾的生命,藝術家同時亦在創作中改變自己的生命。藝術的非凡力量確是令人動容的!

Photo: Asia Society


Interview of Yoshitomo Nara: “I’m still trying to figure out the meaning of life” (Video source from South China Morning Post)

Christine Kan